À partir du 14 juin 2025, KINOSHO KIKAKU organisera l’exposition collective « Chemical X » réunissant quatre artistes aux approches et perspectives différentes.
Chaque artiste explore les frontières entre fantasme et réalité, numérique et analogique, visible et invisible.
Des traits sensuels et chatoyants, une reconstruction de la culture pop et des pixels, un tourbillon de couleurs débordant de passion, et des paysages nocturnes à la fois paisibles et quelque peu inquiétants.
Des expressions qui n’auraient jamais dû se croiser se rencontrent sous la forme d’un « X » et construisent un monde imprévisible dans un seul et même espace. Ne manquez pas cette occasion de découvrir cette exposition.
Exposition collective « Chemical X »
Artistes exposants
neko・tsubura・Taro Yamada・Ryoichi Aizawa
Du samedi 14 juin au vendredi 27 juin 2025
Heures d’ouverture : 12h00 à 18h00
Fermeture : dimanche et lundi
Group Exhibition 「Chemical X」 Online Store
neko Instagram(@0n0e0k0o)
Artiste contemporain, conservateur.
Il imprime ses œuvres numériques sur papier, puis les retouche à l’aide de pastels, de crayons de couleur, d’acrylique, etc. Les personnages représentés sourient, mais semblent néanmoins empreints d’une certaine tristesse et d’une certaine violence. Selon l’artiste, cela s’explique peut-être par le fait que ces personnages, lorsqu’on les interprète dans le contexte de sa propre vie, sont tous liés à des fantômes.
Fin des années 2000
Il fait ses débuts dans le monde de l’art en tant que membre fondateur de « Post Poppers », le précurseur de Chaos Lounge. Cependant, il quitte le groupe dès ses débuts. Il disparaît ensuite de la scène pendant une dizaine d’années.
Puis, en 2020, avec le début de la pandémie de COVID-19, il fait son retour dans le monde de l’art grâce au soutien du collectionneur d’art Motoha Iijima.
En 2021, il organise l’exposition collective « O-tomari-kai » (Soirée pyjama) afin de se plonger dans l’art contemporain japonais et de découvrir de nouveaux horizons, en s’appuyant sur l’avenir du contexte artistique des personnages qu’il crée et sur de nouvelles propositions. En 2024, il conçoit et organise la suite de ce projet, intitulée « Maibutai » (Bal).
Expositions individuelles
2023 « Kodoku no Dress » (La robe de la solitude) (Machida Center Building/Machida)
2022 « Kakeochi » (Soil/ Yoshimi-cho)
2021 « Amaterasu » (LIGHTHOUSE GALLERY/ Ryogoku)
2021 « Omimai » (Shinjuku Eye Gallery/ Shinjuku)
2020 « Yūka Meishun » (rusu/ Meguro)
2020 « Tsukimono » (River Coffee & Gallery/ Higashi-Daimae)
Expositions collectives
2024 « Maibutai » [planification, conservation] (Koganei Chateau 2F/ Musashi-Koganei)
2024 « Tentacity : Obsession » (medel gallery shu/ Harajuku)
2023 « Akichi » (Ogiya/ Kamakura)
2022 « Tokyo Colurs » (TOKYO PARK/ Angleterre)
2022 « addiction » (A4 Gallery Tokyo/ Taïwan)
2021 « O-yado-kai » [planification, conservation] (rusu/ Meguro)
2021 « Japanese Group Show » (GALLERY JO YANA/ France)
2021 « Prière » (Meee gallery/ Nakano)
L’exposition « Chemical X » rassemble, comme par hasard, des artistes qui semblent traiter du thème des personnages.
Le sentiment réel des personnages s’approfondit grâce aux relations qu’ils entretiennent dans l’histoire, c’est pourquoi j’ai décidé de rédiger ma déclaration personnelle dans ce sens.
Le terme « personnage » recouvre diverses significations, mais dans le domaine des arts plastiques, la plupart des « arts du personnage » désignent des œuvres qui intègrent dans un contexte artistique des personnages issus de la sous-culture nationale, notamment ceux qui ont vécu dans des mangas, des anime ou des jeux vidéo.
De l’art classique occidental à l’art moderne, les personnages qui ne sont pas des êtres humains ont souvent été représentés dans les mythes et les religions de chaque pays, mais ils avaient des corps sensuels et charnels, ce qui était considéré comme immoral.
Au XIXe siècle, alors que cette exigence atteignait son apogée, les personnes modernes ont finalement été représentées comme des « êtres humains » dans l’art.
Cette tendance se retrouve également dans l’art contemporain des personnages.
Superflat a traité de manière symbolique les personnages de la culture otaku comme des icônes du Japon d’après-guerre, tandis que Chaos Lounge a symbolisé la culture Internet de la fin des années 2000 à travers des personnages glitchés.
D’autre part, l’exposition « Overnight Party », née pendant la pandémie de coronavirus, et l’exposition « Ball », qui s’inscrit dans la même veine, ont traité les personnages de manière plus réaliste, comme une bouffée d’air frais dans une société oppressée et face à la solitude de chacun.
Ces collectifs ont permis aux personnages symboliques de l’art de prendre corps et d’acquérir une dimension humaine, mais leur raison d’être reste encore profondément enfouie.
Si l’on considère l’histoire de l’art comme un récit, les expositions d’art peuvent être considérées comme des scènes, mais cette exposition est une scène en temps réel.
Cette fois encore, les personnages s’entremêlent discrètement, mais cela ressemble à des fantômes qui dansent sur des ruines en cours de fouille.
J’en arrive enfin à ma déclaration d’artiste personnelle, mais en résumé, ma créativité consiste en un chamanisme qui fait descendre dans mon corps ces personnages appelés ainsi.
Pour moi, l’art des personnages est « notre histoire », et mon médium personnel ne peut s’exprimer uniquement à travers moi et mes motifs dans l’art.
Ceux qui m’habitent semblent considérer l’exposition d’art des personnages comme un voyage vers une vaste patrie qui a dû exister autrefois (et qui continue d’exister quelque part).
Cet endroit est peut-être plus profond et plus beau que l’art.
tsubura Instagram(0yen____)
Né en 2002 dans la préfecture de Fukuoka.
En 2021, il entre à la faculté des beaux-arts de l’université Tokyo Zokei, où il se spécialise en peinture.
Il obtient son diplôme en 2025.
tsubura est fortement influencé par la sous-culture d’avant sa naissance et par les animations et jeux commerciaux des années 1990 et du début des années 2000, qui lui servent de source d’inspiration pour ses œuvres. Pendant ses études universitaires, il a mené des recherches sur « la relation et l’harmonie entre la peinture pixelisée et les personnages » et a cherché à développer son propre style à travers ses œuvres.
Tous les personnages de tsubura sont originaux et n’ont ni nom ni modèle particulier. Ils sont issus des « souvenirs flous » et des « souvenirs qu’il préfère oublier », tels que le harcèlement et les problèmes relationnels qu’il a lui-même vécus. Ces souvenirs sont déjà flous et difficiles à raconter clairement, mais c’est précisément cette « ambiguïté » qui est au cœur de son travail.
La représentation numérique grossière des pixels symbolise la faible résolution des souvenirs et les impressions incertaines qui restent gravées dans l’esprit. Les personnages sont dessinés comme s’ils sortaient d’une scène d’animation et apparaissent à l’écran comme des symboles des personnes qui ont marqué la vie de tsubura.
Pendant ses études, elle a présenté la série « Green Back », qui utilise le « fond vert » utilisé dans la composition d’images. Le fond entièrement vert exprime « l’absence de fond » et incite le spectateur à imaginer « où se trouve ce personnage » et « dans quelle situation il se trouve ». Le « manque » d’informations visuelles fonctionne comme un élément qui se superpose à l’ambiguïté des souvenirs.
Après avoir obtenu son diplôme universitaire, elle s’est activement lancée dans la création de dessins, en plus de ses œuvres sur toile. Ces dernières années, il a notamment présenté une série de dessins utilisant comme support des cassettes audio et des MD déjà hors production. Cette série est née d’un sentiment lié au « changement de génération » et à « l’évolution des temps » dans la société contemporaine. Partant du principe que « les objets évoluent et sont transmis à l’avenir », tsubura aspire à créer des œuvres qui relient le passé, le présent et l’avenir.
Dans ses œuvres récentes, il intègre des représentations en noir et blanc influencées par les dessins animés en noir et blanc des années 1960. Pour tsubura, l’expression en noir et blanc est une « technique pour représenter le passé » et un élément important qui suggère visuellement la mémoire et l’époque. Les versions réduites et recomposées des œuvres présentées à l’exposition ZOKEI ont également été réinterprétées en noir et blanc et sont présentées comme un croisement entre la mémoire et l’époque.
Les œuvres de tsubura sont une tentative de reconstruire en permanence les relations entre « lieu, temps et personnage » à partir de souvenirs vagues du passé, en utilisant l’expression numérique des pixels. Elles constituent également des archives visuelles reliant l’histoire personnelle et la sous-culture, la mémoire et la société, le passé et l’avenir.
Principales expositions auxquelles il a participé
2022 SUMMER GROUP SHOW (THE blank GALLERY)
2023 : origine (Kobo Oyako)
OverWhelm (THE blank GALLERY)
2024 : Exposition de dessins Seimei (JITSUZAISEI)
Exposition collective Sugoii! Shoujo-tachi (Shinjuku Ganka Gallery)
Exposition organisée par NIGHT OUT GALLERY FACES (America Bridge Gallery)
2025 : Exposition ZOKEI 2024 de l’université d’art et de design de Tokyo (université d’art et de design de Tokyo)
48e exposition des travaux de fin d’études des cinq universités d’art de Tokyo (Musée national d’art moderne)
Absolute Territory Myu (Shinjuku Ophthalmology Gallery)
Exposition de dessins Seiran (Shinjuku Ophthalmology Gallery)
Récompenses
Prix ZOKEI de l’exposition ZOKEI 2024 de l’université d’art de Tokyo
Participation à des événements
Projet artistique LOVE ART LAB. pour le 40e anniversaire de SHIBUYA 109.
山田太郎 Taro Yamada Instagram(ayso_c_in)
Déclaration de l’artiste :
Je crée des œuvres en alternant entre les domaines de l’expression plane (peinture, gravure, illustration numérique). Je m’inspire principalement de lieux que j’ai réellement visités et je réfléchis à la frontière entre le monde visible et le monde reflété.
Biographie
Né en 2001, originaire de la préfecture d’Ibaraki.
Actuellement étudiant en deuxième année du cours de gravure à l’université d’art Musashino.
Expositions collectives à la galerie SUNABA (Osaka), au Kinosho Project (Tokyo) et à la galerie Shirota (Tokyo).
Exposition individuelle à la MEDEL GALLERY SHU (Tokyo).
Participation à GEISAI#22 & Classic Tokyo Big Sight (Tokyo) et obtention du prix du jury.
Exposition individuelle à Hidari Zingaro (Tokyo) en tant que prix secondaire.
Il a également participé à des foires d’art telles que Daimaru Tokyo, Matsuya Ginza et Kiaf SEOUL.
相沢僚一 Ryouichi Aizawa Instagram(ry.1_a)
Artiste plasticien.
Il peint principalement tout en cherchant à créer des œuvres qui ne se limitent pas à une seule technique. Actuellement, il réalise des œuvres en versant de la peinture sur des plantes ou en créant des pièces en céramique représentant son chien décédé, en se basant sur sa propre philosophie selon laquelle « rien n’est éternel ».
【Expositions】
Expositions
【Principales expositions individuelles】
2022 « PHANTOM du point final » (LIGHTHOUSE GALLERY/Tokyo)
2021 « Plan to annihilation » (Shinjuku Ganka Gallery/Tokyo)
2020 « Je ne fais que jouer à des jeux » (Kamenya Omote/Tokyo)
2019 « MILD EXTINCTION » (Shinjuku Ganka Gallery/Tokyo)
2018 « AFTER LIFE » (Lumière Center/Aichi)
2017 « Les œuvres ne meurent jamais » (Azabu BOOK&GALLERY/Tokyo)
[Expositions collectives]
2025 « Exposition de dessins Seiran » (Galerie Shinjuku Ganka / Tokyo)
2025 « Chirakashi Garden Place » (Atelier Salon-Koushinkyoku / Tokyo)
2025 « Construisons ici un portail pour pouvoir revenir un jour » (Galerie Shinjuku Ganka / Tokyo)
2025 6e édition de « L’artiste Hakase a vu ! » « Itami Saya, mon ami » (Musée du château de Tokushima / Tokushima)
2024 « now loading… » (River COFFEE&GALLERY / Tokyo)
2024 « Le murmure de la bibliothèque qui respire tranquillement » (Kobonya / Tokyo)
2024 « Shinkiba & Yumenoshima Waku Waku Osanpo Art Festival 2024 » (environs de la gare de Shinkiba / Tokyo)
2024 « pie☆SUMMER☆FEVER vol.2 : Last summer vacation » (pie / Myeongdong, Corée du Sud)
2024 « 2024 Seoul Popcon (2024 Seoul Pop Culture Convention) » (COEX/Séoul, Samseong-dong, Corée)
2024 « signs of existence » (Shinjuku Ophthalmology Gallery/Tokyo)
2024 « Grandes peintures » (Shinjuku Ophthalmology Gallery/Tokyo)
2024 « La végétation artistique » (Live Art Gallery/Ehime)
2024 « Exposition de dessins Seimei » (JITSUZAISEI/Osaka)
2024 « Espace coloré » (aL Base/Yoyogi)
2024 L’artiste Hakase a vu ! 5 « La végétation artistique » (Musée du château de Tokushima/Tokushima)
2023 « TRI! Angle » (aL base/Tokyo)
2023 « Poupées et virtuel : Figure and Virtual » (miaki gallery/ Tokyo)
2023 « Advanced Obsession » (anicoremix galery/ Tokyo)
2023 « Bâtons et masques » (Kamenya Omote/ Tokyo)
2023 « Exposition sur les chiens « Inu » et exposition collaborative « Inu Rakuen » (Shinjuku Ophthalmology Gallery / Tokyo)
2023 « 로컬! Local ! » (pie, San Q / Myeongdong, Corée du Sud)
2023 « Exposition de dessins Hatsuharu » (Shinjuku Ganka Gallery / Tokyo)
2022 « Charabesque – Scarlet » (Nezu Curry Lucky / Tokyo)
2022 « -Silent Rhapsody- » (THE blank GALLERY / Tokyo)
2022 « Charabesque » (Hiyozaka Art Research Lab / Miyagi)
2020 « Neighboring garden » (Shinjuku Ophthalmology Gallery / Tokyo)
2020 « Shinjuku online » (Shinjuku Ophthalmology Gallery / Tokyo)
2020 « LIFE WORK 2020 » (Aichi Arts Center / Aichi)
2019 « April Mermaid » (Genron Chaos*Lounge Gotanda Atelier / Tokyo)
2018 « LIFE WORK 2018 » (Aichi Arts Center / Aichi)
2018 « Value Price » (Iriya Gallery / Tokyo)
2017 « SAIKO ART FESTIVAL ’17 » (Saiko / Yamanashi)
2017 « Contre-attaque et vengeance » (Pocke / Tokyo)
2016 « Musée Shagami Yowapunch 52Hz Tsushima » (Aichi)
2016 « Exposition des amis de Naoki Okumura » (DESK/okumura / Tokyo)
2016 « BARRACKOUT » (Ancienne résidence Matsuda / Tokyo)
2015 « Musée Shagami Yowapunch 52Hz, homing » (Nakano ZERO Gallery / Tokyo)
2015 « KITAJIMA, KOUSUKE #11 ~ À la table offerte par le typhon ~ » (Kata/Conbe / Tokyo)
2015 « Musée Shagami Yowapunch 52Hz » (Kozakuro Okinawa)
2015 « KITAJIMA, KOUSUKE #09 ~ La rumeur du lendemain de Wan Q Matsuyama ~ » (Kata/Conbe, Tokyo)
2015 « TAGBOAT ART FES 2015 » (Hulic Hall, Tokyo)
2015 « Exposition des travaux de fin d’études des cinq universités d’art de Tokyo » (Musée national d’art moderne, Tokyo)
2015 « Musée Shagami Yowaku Punch 52Hz » (Université d’art Tama / Tokyo)
2015 « Exposition des travaux de fin d’études 2014 de l’Université d’art Tama » (Université d’art Tama / Tokyo)
2014 « 10e exposition du Grand Prix mondial de peinture » (Musée d’art de Tokyo / Tokyo)
2014 Seijo Shoujo Shirunabe « La Shiru Mode » (Galerie Design Festa, Harajuku, Tokyo)
2014 Seijo Shoujo Shirunabe « Qui est cette fille ? » (Galerie Design Festa, Harajuku, Tokyo)
Projets
2023 « Bâtons et masques » (Kamenya Omote, Tokyo)
2023 « Exposition sur les chiens et collaboration avec Dog Paradise » (Galerie Shinjuku Ophthalmology / Tokyo)
2016 « BARRACKOUT » (Ancienne résidence Matsuda / Tokyo)
Récompenses
2014
10e Grand Prix mondial de peinture, prix des sponsors
Résidence
Tsushima Art Scape, musée Shagami Yowaku Punch (Centre Lumière, Aichi)
